Arte e Ciência – Iori Tomita

“O que mais me impressiona nas imagens e nas obras de arte de Tomita é a qualidade das cores: o azul e o magenta estão muito vibrantes. Fazem-me lembrar de um dos tipos de iluminações que eu mais sou fascinado: o NEON! Sem dúvida, eu ficaria horas olhando cada detalhe dessas peças únicas.” _Vinicius Reimberg Santos

O artista japonês Iori Tomita utiliza um método científico para transformar animais conservados em laboratório em objetos de arte.

Para conseguir o resultado, Tomita, que é formado em Ciências Pesqueiras na Universidade de Kitasato, modifica as proteínas do corpo dos animais com químicos, para deixá-los transparentes.

Em seguida, ele injeta um pigmento magenta nos ossos dos animais e um colorante azul em suas cartilagens.

Em seu site, o artista explica que o procedimento foi criado para permitir o estudo dos esqueletos dos animais.

Tomita diz que cria espécies transparentes ‘como objetos que farão com que as pessoas se sintam mais próximas das maravilhas da vida’.

Segundo ele, os objetos finais podem ser vistos como experimentos científicos, obras de arte e até como ‘uma porta de entrada para a filosofia’.

 

Fonte: BBC & G1

Fotos: Iori Tomita

 

See it also in ENGLISH!

“What impresses me most about the pictures and works of art Tomita is the quality of colors: blue and magenta are very vibrant. They reminded me of one of the types of lighting that I’m more fascinated: the NEON! Undoubtedly I’d be looking at hours every detail of these unique pieces. “_Vinicius Reimberg Santos

The Japanese artist Iori Tomita uses a scientific method to transform in laboratory animals preserved in objects of art.
To get the result, Tomita, a graduate of Fishery Sciences at the University of Kitasato, modifies the body’s proteins from animals with chemicals to make them transparent.
Then he injects a magenta dye in the bones of animals and a blue dye in their cartilage.
On its website, the artist explains that the procedure was created to allow the study of the skeletons of animals.
Tomita says that species creates transparent ‘as objects that will make people feel closer to the wonders of life. “
He said the final objects can be seen as scientific experiments, works of art and even as ‘a gateway to philosophy’.

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O Hiperrealismo em Esculturas

“Eu pensei seriamente em fazer uma matéria nova, mas a emoção na descrição do texto original, me deixou sem palavras.” – Vinicius Reimberg

Escultor: San Jinks
Estilo: Hiperrealismo – uma grande parte das esculturas são feitas com silicone, tinta e fios de cabelo.

“Um homem nu está pendurado pelas axilas na extremidade de um quarto. Ele faz uma triste impressão, não apenas por causa de seu mal-estar pendente, mas por causa de suas proporções diminutas. Cada detalhe visível do corpo magro é apresentado, mas tamanho infantil.

Esta figura sinistra por Sam Jinks é respondida na galeria íntima no Espaço Ocidente por um rosto na parede perto, que é inicialmente disfarçado como você entra no quarto branco. É uma aparição assustadora: um homem de aspecto whiskery cuja boca foi inteiramente dissolvido na carne do rosto, deixando um volume suave e gentil entre o nariz eo queixo eriçado. Os olhos vidrados destacam-se com frenesi tireoidiano avermelhada, quase como se expressar a asfixia envolvido na perda de suas narinas e boca.

A coisa assustadora sobre ambas as esculturas não é o que pode estar acontecendo com os números – embora esta seja sinistra – mas sim o seu nível global de detalhe. A verossimilhança no tratamento remove-lo do conforto de imagens análogas na história da arte. Na tradição da escultura figurativa, a figura agonizante – de Ghiberti para Kollwitz – é banhado por heroísmo estética.

O fascínio de um meio robusto escultural não é para Jinks. Pelo contrário, com habilidades que excedem os padrões do museu de cera, Jinks faz a aparência da pele como a pele, o que é luminoso e penetrado pela luz. Você poderia imaginar ver os poros e folículos se você tomou um microscópio para a superfície.

Dois Jinks “esculturas são assustadores em vários níveis. O homem suspenso, com a cabeça inclinada eo ar transcendente de concentração, recorda o arquétipo sagrado de Cristo na cruz. É como se, como Cristo, ele se desligou de humilhação máxima em uma punição que pode ser ensaiado em rituais sagrados para um propósito obscuro redentor.

Enquanto isso, o rosto eletrocutados em toda a sala, embora um pouco sensacionalista, você lembra da Medusa, exceto que os rolos de cabelos de serpentes são reduzidos a barba e, em vez de transformar alguém em pedra, o rosto petrifica-se.

Ambas as obras são esculturas de parede. O corpo não está apenas preso em cima do muro: ele está estacionado em um santuário abstrato, com a finalidade única de pendurar um homem nu. Embora aparentemente alheio ao seu ambiente, o homem dedos delicadamente o avião por trás dele.

A escultura tem uma presença poderosa, que às vezes é confundido com um homem. Isso é incomum, com esculturas. Você nunca confundir um Bernini para um ser humano real. Você acabou de aceitar que é uma efígie ilustre e não uma pessoa real. Mas, como com a escultura realista de Ron Mueck, a proximidade com texturas humanos é estranha. A barriga um pouco inchada, a dureza das costelas, o lankness das pernas não suportados: é quase demasiado realista.

Compensação esta semelhança bizarra, outra característica da escultura Mueck é aparente: é a escala inquietante. Na história da escultura, a maioria dos números são menores ou maiores que a vida. Em termos estéticos tradicionais, homem nu Jinks “é o tamanho errado. O número é pequeno demais para ser real, mas grande demais para ser uma boneca ou boneco. O nanismo com proporções perfeitas parece semanticamente inconveniente e perturbador quando a figura se transforma real em sua imaginação. É um tamanho embaraçoso para um homem ter, como o corpo maduro tem a escala – mas não a forma ou a detalhe – do corpo de um menino.

Ele é um homem moderno, com um corte de cabelo moderno, o resultado espinhoso de tosquiadeiras elétricas. Você já viu esse tipo de cara no bonde. Mas a presença incongruente está nu – um pouco desagradável nessa escala – e ele está pendurado em uma maneira mais imprópria. Você sente que talvez, como Cristo, ele pode optar por descer do andaime, mas seu destino é de alguma forma bizarra piedoso e sofre com paciência divina.

A escultura é hábil e paradoxal: um número que oscila em sua consciência entre ser arte e ser um homem, um sinal despojado de uma história torturado espiritual.”

the Age.Com

Outros artistas Australianos no: Australian EDGE

A naked man is hung up by the armpits at the far end of a room. He makes a sad impression, not just because of his dangling indisposition, but because of his diminutive proportions. Every visible detail of the skinny body is presented, but child-size.

This grim figure by Sam Jinks is answered in the intimate gallery at West Space by a face on the near wall, which is initially concealed as you enter the white room. It’s a scary apparition: a male of whiskery aspect whose mouth has entirely dissolved into the flesh of the face, leaving a smooth and gentle volume between nose and bristly chin. The glazed eyes stand out with reddened thyroidal frenzy, almost as if expressing the suffocation involved in losing your nostrils and mouth.

The scary thing about both sculptures is not what might be happening to the figures – though this is sinister – but rather their comprehensive level of detail. The verisimilitude in the treatment removes you from the comfort of analogous images in the history of art. In the tradition of figurative sculpture, the agonised figure – from Ghiberti to Kollwitz – is bathed in aesthetic heroism.

The allure of a robust sculptural medium is not for Jinks. Rather, with skills that exceed the standards of the wax museum, Jinks makes the skin look like skin, which is luminous and penetrated by light. You could imagine seeing pores and follicles if you took a microscope to the surface.

Jinks’ two sculptures are spooky on many levels. The suspended man, with his drooping head and transcendent air of concentration, recalls the sacred archetype of Christ on the cross. It’s as if, like Christ, he is hung up for maximum humiliation in a punishment that might be rehearsed in holy rituals for an obscure redemptive purpose.

Meanwhile, the electrocuted face across the room, though a bit sensational, reminds you of the Medusa, except that the coils of snaky hair are reduced to stubble, and instead of turning someone else into stone, the visage petrifies itself.

Both works are wall sculptures. The body isn’t just stuck up on the wall: it is stationed in an abstract shrine, for the unique purpose of hanging up a naked man. Though apparently oblivious to his environment, the man delicately fingers the plane behind him.

The sculpture has a powerful presence, which at times is confused with a man’s. This is unusual with sculptures. You’d never confuse a Bernini for a real human. You just accept that it’s an illustrious effigy and not a real person. But, as with the realist sculptures of Ron Mueck, the proximity to human textures is uncanny. The slightly puffy belly, the hardness of the ribs, the lankness of the unsupported legs: it’s almost too lifelike.

Offsetting this freakish resemblance, another feature of Mueck’s sculpture is apparent: it’s the unsettling scale. In the history of sculpture, most figures are either smaller or larger than life. In traditional aesthetic terms, Jinks’ naked man is the wrong size. The figure is too small to be real, but too big to be a doll or figurine. The dwarfism with perfect proportions seems semantically inconvenient and disturbing when the figure turns real in your imagination. It’s an embarrassing size for a man to have, as the mature body has the scale – but not the shape or detail – of a boy’s body.

He’s a modern man, with a modern haircut, the prickly result of electric clippers. You’ve seen that kind of guy on the tram. But the incongruous presence is naked – a bit unflattering at that scale – and he’s hanging up in a most unbecoming way. You feel that perhaps, like Christ, he could choose to get down from the scaffold; but his destiny is somehow bizarrely pious and he suffers with divine patience.

The sculpture is skilful and paradoxical: a figure that oscillates in your awareness between being art and being a man; a stripped down sign of a tortured spiritual history.

the Age.Com

Feito com produtos reciclaveis

Um artista americano com o nome de Gregory Euclides criou uma instalação paisagem microcósmica intitulado “held within what hung open and made to lie without escape“.

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A paisagem é feita de lixo que ele pegou no parque. A pintura da paisagem mede 182cm por 152cm e é definida com uma moldura dourada que é interrompida por papel, como os fluxos de água da tela para o espaço da galeria. As pedras na paisagem são lançadas das rochas retiradas do parque central, enquanto a grama é formado a partir de tinta, cola e cabelo.

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Rascunhos conceituais do projeto.

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no lado direito da obra, de garrafas de plástico cortadas são agrupadas juntas, existindo como em miniatura ambientes isolados no interior da peça.

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Euclides criou vários dioramas construídos a partir de lixo encontrado, como plástico, espuma, esponja e fertilizante que ele acumulou durante a caminhada em um parque.

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Esses itens ajudaram a esculpir um mundo que descreve o que o artista vê como ‘same kind of fake control over nature that allows us to be comfortable with the destruction of it‘. (o mesmo controle falso sobre a natureza que nos permite ser confortáveis com a destruição dela)

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A instalação foi construída para o museu de artes e design do ‘otherworldly: optical delusions and small realities’ (outro mundo: ilusões óticas e pequenas realidades) exposições em Nova Iorque.

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A forma que o artista mostra a nossa sociedade minúscula diante de uma poderosa natureza (nada mais que a realidade que poucos abrem os olhos para ver) nessas garrafas, uma sociedade que ainda prefere ter, antes de compartilhar. É a mesma que acha que tem algum poder sobre a natureza, tratando- a de forma agressiva, mantendo a ilusão que ela está sob o nosso domínio. – Vinicius Reimberg Santos

Fontes: Make something Mondays! & Gregory Euclide

Conheçam a ROCA London

Por: Vinicius Reimberg Santos

Após ficar maravilhado com o lindo stand da Roca na Revestir 2012 achei uma das galerias que a empresa tem em Londres.

Que por sinal, é tão incrível quanto a empresa por si só, conheçam alguns detalhes de Roca London Gallery.

Roca London Gallery, um espaço projetado por Zaha Hadid Architects, onde pode desfrutar de uma experiência visual única e interativa com a Roca, a marca líder mundial banheiro. Design, inovação, sustentabilidade e bem-estar são as marcas da identidade da Roca e a nova Galeria apresenta informações relativas a esses valores para os visitantes através de uma experiência em evolução.

Eles organizam eventos sociais e culturais, exposições e instalações, bem como lançamentos de produtos Roca. O projeto expressa a relação entre Roca e Zaha Hadid e sua paixão com a inovação.

” A ispiração que flui da água ” – Roca

O Estudo do Design de Roca London Gallery projetado por Zaha Hadid Architects é inspirada por várias fases e estados de água. A água age como elemento de transformação movendo-se através da fachada, esculpindo o interior e se movendo através da galeria principal como gotas individuais.

Falando um pouco do prédio:

O conceito para o London Roca Gallery começa com água em suas diversas formas e fases tanto como uma idéia para criar espaço e expressar nossa capacidade de adaptação e abertura à mudança e inovação.

A água age como um tema para a arquitetura, conectando todos os aspectos da Galeria.

Zaha Hadid Architects incorporou a história criada Roca e cultura de inovação na experiência do espaço. Ao invés de criar uma galeria fixa exclusivamente para os produtos, Zaha Hadid desenvolveu um espaço flexível para Roca, onde displays, uma sala de reuniões, bar-café, biblioteca, parede multi-mídia , recepção e telas de vídeo estão dispersos para que os visitantes se sentem em um centro de design ativo.

A fachada é uma característica única da nova Galeria que dá ao espaço uma identidade imediata. Incorpora uma mistura coerente de formas e contornos que são usados de uma forma inesperada para criar uma série de recortes arquitectónicos e aberturas para o espaço.
Uma superfície contínua com a fachada criando um espaço único ininterrupta se entrelaça com o interior, enquanto que a lógica de material forte da fachada é mantida em concreto aparente.

A Galeria ocupa um andar e cobre uma área de 1.100 m². O espaço em branco da galeria principal é moldada pela lógica contínua das gotas de água iluminadas que conecta as diferentes áreas.


Os conceitos arrojados espaciais dos ambientes de visualização exclusivos se destacam como concreto cinza escuro em contraste com o branco da coluna central da Galeria. A sua forma foi esculpido como se pelas propriedades de erosão, combinadas com as considerações funcionais da galeria para permitir flexibilidade.

Roca London Gallery é uma nova experiência de proposta da marca que lhe dá uma visão do mundo de espaços Roca banheiro. Este espaço inovador permite aos visitantes experimentar e descobrir o Bathroom World (mundo dos banheiros – tradução livre), incluindo tudo, desde a concepção do produto para a importância da água para a sociedade.


Produtos mais emblemáticos Roca são exibidas em diferentes áreas ou ambientes. Aqui o visitante pode aprender sobre os mais recentes produtos coleções Roca, criados por designers nacionais e internacionais como David Chipperfield, Herzog & De Jacques Pierre Meuron, Benedito Ramón, Mariscal, Álvaro Siza, Belén e Rafael Moneo, Schmidt & Lackner ou Cuttino Marcello .
Um dos elementos mais atraentes desses ambientes é o chão de ladrilhos. Composto exclusivamente de Roca cerâmica, o piso é um mosaico de partes originais, individualmente projetados e fabricados, que em conjunto criam um efeito visual impressionante.

Para mais específicas informações: Roca London Gallery

Presos na parede

por: Domenico Justo

Um trabalho magnífico doartista plástico Matteo Pugliese onde ele recria pessoas presas nas paredes, mais ou menos como George Lucas fez com Han Solo no bloco de carbonite. O trabalho é bem perturbador, como se as pessoas estivessem vivas, suplicando para serem liberadas da parede, uma coisa meio inferno de Dante Aliguieri. As peças são feitas de bronze e podem ser vistas nas imagens

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FONTE: illusion Design | Design on the rocks